Mi reino por un caballo 28-10-10

Dedicaron un especial al músico Carles Santos ofreciendo imágenes de La Pantera Imperial, Piturrino fa de músic y Chicha Montenegro Gallery. Tras la puesta en escena en Madrid y Barcelona de tres espectáculos diferentes del músico Carles Santos, dieron un extenso (e intenso) reportaje en el que se entrevistó al polifacético artista y una mirada sobre los espectáculos Chicha Montenegro Galery (representada en Gerona en el festival Temporada Alta), de La Pantera Imperial y Piturrino hace de músico (programadas en las Naves del Español en el Matadero de Madrid). Entrevista a Víctor Ullate con motivo de la presentación de su Wonderland en los Teatros del Canal de Madrid. Dedicado a su hemana, este ballet nos sumerge en el sol y la sombra de las enfermedades mentales. Andrés Lima presentó en el Teatro de La Abadía de Madrid El mal de la Juventud de Ferdinand Bruckner. Ambientada en la Viena de antes de la Segunda Guerra Mundial, nos muestra a una juventud radical que lleva el nihilismo al primer plano.

Documento de Video 3

Gracias a nuestra unión con la Asociación de Profesionales de las Artes Escénicas Contemporáneas, vamos a subir una colección de vídeos y lo iremos titulando "Documento de Vídeo...", no se basan en un standar claro, estos videos son una combinación de estudios de danza, video danza, entrevistas (en inglés) a personalidades y experimentos con cámaras.



Merce Cunningham (nacido en Centralia, Washington, el 16 de abril de 1919- 26 de julio de 2009, Nueva York) fue un bailarín y coreógrafo.
Cunningham nació en Centralia, Washington, EEUU, y recibió su primera formación formal en danza y teatro en la Cornish School (actualmente, la Cornish College of the Arts) en Seattle. Desde 1937 hasta 1943, fue solista en la compañía de Martha Graham.
Presentó su primer concierto solista en Nueva York con John Cage en abril de 1944. La Merce Cunningham Dance Company se formó en el Black Mountain College en el verano de 1953. Desde esa época, Cunningham coreografió cerca de 200 obras para su compañía. En 1973 coreografío Un jour ou deux para el ballet de la Ópera de París, con música de Cage y decorados de Jasper Johns.
El interés de Cunningham en la tecnología contemporánea le llevó a trabajar con el programa para computadora «DanceForms», que usó para realizar todas sus danzas desde Trackers (1991). En 1997 empezó a trabajar en captura de movimientos con Paul Kaiser y Shelley Eshkar de Riverbed Media para desarrollar el decorado para BIPED, con música de Gavin Bryars, interpretada por vez primera en 1999 en el Zellerbach Hall, Universidad de California en Berkeley. Otra obra destacada, Interscape, interpretada por vez primera en 2000, unió a Cunningham con su anterior colaborador Robert Rauschenberg, quien diseñó el decorado y los vestuarios de la danza, con música de John Cage quien fue su pareja hasta su muerte en 1992.
En octubre de 2005 Cunningham recibió el Praemium Imperiale en Tokio. En Francia, fue nombrado comandante de la Orden de las Artes y las Letras en 1982 y Caballero primero (1989) y luego oficial (2004) de la Legión de Honor.

Declan Donnellan "Tis Pity she's a whore" (Lástima que sea una puta) Cheek by Jowl

El pasado 12 de abril se presentó en las "naves del Español-Matadero" la obra de teatro 'Tis Pity she's a whore (Lástima que sea una puta)de Jhon Ford con la puesta en escena de la compañía Cheek by Jowl formada por Declan Donnellan y Nick Ormerod en co-producción con Barbican-London, Les Gémeaux/Sceaux/Scène Nationale y Sydney Festival. Realizándose antes de que comenzara el espectáculo, este tipo de actos que el teatro español ya nos tiene acostumbrados titulados "Encuentros con el público" y al que cada vez que podemos, damos las gracias a dicha organización por realizar estos encuentros, pues crean un vínculo directo entre creador y consumidor, mas allá del producto consumido. Teatropodcast como no podía ser menos estuvo allí y pudimos escuchar con gran alegría a ese "gran director", escritor del maravillosos libro "El actor y la Diana" para muchos una de las nuevas biblias de la interpretación. Y escuchar como un creador de la talla de Declan, se muere de la vergüenza cuando tiene que hablar de su obra, tal es así que tuvo que pedir a los fotógrafos que no le hiceran fotografías para no desconcentrarlo.

La obra, totalmente contemporaneizada en cuanto vesturario y escenografía, choca con el caracter atemporal del texto y con la puesta en escena e interpretación de los actores. Transformando a todos los personajes de la misma, que no intervienen en un agradable "coro", magistralmente dirigido, coro al que su modo interpretativo, recuerda ni más ni menos al gran director Cesar Bernard, hoy por hoy el mejor director de coros. La actuación como ya hemos señalado, estaba llena de matices con grandes carácteres altamente diferenciados y propios de un teatro tan vivo com es el teatro Jacobino. La fusión que en muchos momentos se crea con las coreografías de los movimientos de los personajes, mas la música cantada de los actores, creaba una atmosfera en la sala de agradeble incertidumbre, consiguiendo que el espectador no pudiese relajarse ni un minuto. Felicitaciones por tanto a Jane Gibson y a Emma Woodvine por esa dirección de movimientos y voz respectivamente.

Como todo no podía ser excelente, hubieron algunas pequeñas cosas (por no hablar sólo de lo bueno) que habría que resaltar. Hemos dicho que la interpretación de los actores estuvo bien definida, fue bastante clara, y muy diferenciada unos de otro, con respecto al texto y a las circunstancias de la acción, sólo hubo una pequeña excepción, que no me encajó muy bien este maravilloso engranaje, el personaje de Giovanni, interpretado por Jack Gordon, pensamos que no estuvo a la altura, no hablamos de las dotes interpretativas del actor, sino de el enfoque que se le ha dado en la obra, intentando descontextualizarlo de la acción dramática convirtiéndolo en un narrador de principio a fin, yendo en detrimento de la interactuación del personaje con la acción dramática. El movimiento actoral, excelente: como hemos mencionado, pero en ocasiones demasiado danzado con la desvinculación que ello conlleva, haciendo pensar en el espectador la belleza de la coreografía olvidándose por tanto de lo que está pasando en la escena. Y como otro punto discordante a resaltar, podría ser la línea trágica de la obra, pues se echaba en falta la ascendencia contínua de la misma, estancándose a mitad del espectáculo no generando finalmente la catarsis tan esperada que requiere esta pieza de pasiones ocultas intrínsecas en el ser humano. No obstante como he dicho al principio son pequeñas apreciaciones negativas.

 

  Ahora os dejamos con la grabación de la conferencia, por la que pedimos mil perdones por su calidad, pues entendemos que no es la correcta, pero fue lo mejor que pudimos conseguir: Y recordamos que la  biografía del director, la sinopsis de la obra,  la ficha artística, las fotos... las podéis ver en la página web del teatro español.

Documentos de Vídeo 2

Gracias a nuestra unión con la Asociación de Profesionales de las Artes Escénicas Contemporáneas, vamos a subir una colección de vídeos y lo iremos titulando "Documento de Vídeo...", no se basan en un standar claro, estos videos son una combinación de estudios de danza, video danza, entrevistas (en inglés) a personalidades y experimentos con cámaras.

Este Documento de Vídeo 2, está titulado "Nueve variaciones en el tema de la Danza" (o algo así, jajajaja) realizado en 1966 por el director Hilary Harris y con la bailarína, directora y coreógrafa Bettie de Jong.

El director de documentales Hilary Harris (Estados Unidos, 1929-1999) fue uno de los pioneros de la técnica de "time-lapse", consistente en acelerar las imágenes tomadas por una cámara cinematográfica durante un tiempo determinado. De ese modo se puede realizar tomas de movimiento de tráfico o de los desplazamientos de la gente en una ciudad a lo largo de un día entero, o bien durante la construcción de un edificio por completo, se reproducen a alta velocidad consiguiendo así comprimirlas en secuencias de algunos segundos. Eso da lugar a una nueva manera de ver que revela procesos que no se captarían a la velocidad normal de la realidad, produciendo así una síntesis, y permitiendo además una nueva conciencia de algunos fenómenos que tienen lugar.

La bailarina y directora Bettie de Jong nació en Sumatra (Indonesia, 1946) y se trasladó a Holanda donde comenzó a realizar sus primeros estudios de danza y mimo. Su primera incursión profesional en el mundo de las Artes Escénicas fue en la Compañía de Pantomima Paises Bajos. Trasladandose posteriormente a New York para estudiar en la escuela de Martha Graham, y es ahí donde su carrea empieza a catapultarse trabajando en distintas compañías de danza como: Martha Graham, Pearl Lang, John Butler y Lucas Hoving. Hasta que en 1962 tiene que trabajar como pareja de baile de Paul Taylor para un espectáculo de la CBS bajo la dirección de Rudolf Nureyev. Se unió a la compañía de Taylor, la cual, no ha abandonado hasta la fecha, siendo su partener más importante y más tarde su ayudante de dirección. En noviembre de 2007 recibe el premio Dance Magazine

Nueva sección: Documentos de vídeo

Gracias a nuestra unión con la Asociación de Profesionales de las Artes Escénicas Contemporáneas, vamos a subir una colección de vídeos y lo iremos titulando "Documento de Vídeo...", no se basan en un standar claro, estos videos son una combinación de estudios de danza, video danza, entrevistas (en inglés) a personalidades y experimentos con cámaras.

El primer Documento de Vídeo, es un estudio coreográfico para cámara realizado en 1945 por la directora Maya Deren con el bailarín y coreógrafo Talley Beatty.

Maya Deren:  Se la considera la madre de cine underground en Estados Unidos. Lo significativo de su aporte es que toda su carrera corre en paralelo a la apertura de nuevas vías para el cine de vanguardia. Su obra sirvió de bisagra entre las artes plásticas y el cine. Maya Deren fue la primera directora de cine estadounidense que visitó institutos y universidades para dar a conocer el cine experimental. Para comprender el conjunto de su obra, es necesario considerar los tres pilares fundamentales de su formación artística:

• En primer lugar, desde 1941 se formó con la bailarina, coreógrafa y antropóloga Katherine Dunham, que popularizó las danzas afrocubanas y afrocaribeñas y escribió una tesis sobre las danzas de Haití. Maya Deren analizó y filmó durante tres años su trabajo en Haití.
• En segundo lugar, la influencia de Galka Scheyer, marchante de arte y profesora. Ella fue quien introdujo a Maya Deren en ciertos elementos de psicoanálisis junguiano y la inspiró en el trabajo de ciertos arquetipos universales: el mar, la mitología griega, referencias al cuerpo humano,...
• La tercera influencia de Deren será el cineasta de origen checo Alexander Hammid, su segundo marido, quien la introdujo en las técnicas cinematográficas.

  Cine

  La autora definía sus propias obras con el término "películas de cámara", puesto que sus películas aspiran a llegar a un público no muy amplio, a un público intimista. No aspira a exhibirse en los grandes cines, pero tampoco a la marginalidad. Sus circuitos serán las universidades, museos, etc. todo lo que estaba en manos del arte pero a lo que el cine no había accedido todavía.
  En 1943, adoptó el nombre de Maya Deren y en ese mismo año comienza a hacer una película con Marcel Duchamp “The witche's cradle” la cual nunca se terminó y están disponibles las partes grabadas sin editar. En ese momento su círculo social incluía a André Breton, Duchamp, John Cage y Anaïs Nin.
  La segunda película que realizó fue “At Land” en 1944. Hizo también “Ritual of transfigured time” la película más parecida en forma narrativa a “Meshes in the afternoon” que en este caso explora el miedo al rechazo y la libertad de la expresión en un ritual de depuración.
  En 1946 fue galardonada con la Beca Guggenheim por su creatividad fílmica. En 1947 ganó también el Gran Premio Internacional para un film de 16mm experimental “Meshes in the afternoon” en el Festival Internacional de Cine de Cannes.
  La otra película “Meditation on violence” fue hecha en 1948. Chao Li Chi fue el artista marcial que se encargó de la acción, la cual es una demostración de artes marciales chinas que sólo es tocada una vez en la edición para añadir un salto del artista marcial a otro plano donde aparece más ataviado y con una espada, éste es el primer vídeo de Deren que utiliza elementos de la cultura afro-haitiana incluyendo dentro de la música algunos tambores de Haití acompañados de flautas chinas. Resulta muy interesante como precedente directo de lo que hoy llamamos World music.
  En 1958 Deren en equipo con la “Metropolitan Opera Ballet School” crearon “The very eye of night”.
  Deren distribuía sus propios filmes y los promovía a través de clases y ponencias en Estados Unidos, Canadá y Cuba. También actuaba, editaba, escribía y dirigía sus propias películas. A través de la década de los 40´s y los 50´s, Deren atacó a Hollywood por su monopolio artístico, político y económico sobre el cine americano. Decía “hago mis películas con lo que Hollywood gasta en pintalabios”, y se quejaba de que Hollywood “ha sido un gran obstáculo para que el cine se definiera y se desarrollara como una forma de arte creativo y fino”. Su posición siempre fue de oposición a los estándares y practicas de la industria fílmica de Hollywood.
  Deren tenía un gran interés por el Vudú y gracias al Guggenheim pudo financiar al fin un viaje a Haití. Dunham, la directora de la compañía de danza donde había trabajado años atrás, había realizado su tesis en bailes haitianos, lo que influyó claramente en los intereses de Deren, quien no sólo filmó varias horas de rituales de vudú, sino que comenzó a participar de ellos y adoptó la religión. Su libro que lleva por título “Divine horsemen: The living God´s of Haiti” y sus horas de grabación documental fueron organizadas y editadas -veinte años después de la muerte de Maya- por su tercer marido, Teiji Ito y su esposa Cherel Ito.
  

  Filmografía

• Meshes of the Afternoon (1943) con Alexander Hammid, música de Teiji Ito añadida en 1959
• At Land (1944) fotografía de Hella Heyman y Alexander Hammid
• A Study in Choreography for Camera (1945) con Talley Beatty
• Ritual in Transfigured Time (1946) colaboración coreográfica con Frank Westbrook y Rita Christiani
• The Private Life of a Cat (1947) codirigida con Alexander Hammid
• Meditation on Violence (1948)
• The Very Eye of Night (1952-55)

Sin terminar

• The Witches' Cradle (1943) con Marcel Duchamp y Pajorita Matta
• Medusa (1949) con Jean Erdman
• Haitian Film Footage (1947-55)
• Season of Strangers (1959)

Su película más destacada es Meshes of the afternoon de 1943, codirigida con su entonces esposo, Alexander Hammid. En ella parte de lo onírico en el cine y la pintura europea y hace de la mujer la protagonista, interpretada por ella misma.

Estamos de vuelta¡¡¡¡

Renovados, con muchas más ganas de tratar este tema que tanto nos gusta... Anunciamos que estamos de vuelta, no podemos decir todavía cuando subiremos el próximo capítulo de teatropodcast. Pero anticipar que será totalmente diferente, intentando diversificar contenidos e intentar cargarlos de mucho más humor. 

   A nivel paralelo, este blog, además de servir para subir los podcast, iremos dándole mucha más caña. Ya no estoy solo, tenemos a dos fichajes más en el proyecto (donde vayan uniendose otros muchos) como son: "la rata" del conocidísimo blog 287 horas y "la Gusa" escritor de renombre afincado ahora en las entrañas de No Puedo Creer.

Mientras, todo pasa y todo queda como dijo A. Machado en boca de J.M. Serrat. Nuestra máxima en este momento no será pasar. Ni de vostros, ni del blog, ni de lo que más nos gusta: La investigación y divulgación de las artes escénicas, en este mundo tan nuestro (y nuevo a la vez) que son las nuevas tecnologías. Inserto una dirección, donde está alojado el Diccionario Akal de Teatro de Manuel Gómez Garcia, para muchos (yo entre ellos), el mejor diccionario sobre ciencias del espectáculo que se ha escrito jamás. Disfrutadlo y... difundid la palabra: HEMOS VUELTO.

Mi reino por un caballo - 30/12/10

Dedicamos un monográfico a la sala Cuarta Pared que ha celebrado este año su 25 aniversario. Sala alternativa y emblemática de Madrid ha sido cuna de autores ahora ya reconocidos como José Ramón Fernández o coreógrafas ya consagradas como Carmen Werner. El reportaje enfrenta a los protagonistas a su juventud, a la idea que tenían de jóvenes sobre su futuro, les hace comparar lo que ha sido de ellos con lo que pensaron que iba a ser. José Laínez propone un encuentro entre distintos personajes de Beckett. Se trata de danza teatro y sombre el escenario se reúnen por ejemplo, Ham y Clov de Fin de Partida con Estragón de Esperando a Godot. Carme Portaceli ha dirigido un Prometeo de Esquilo con adaptación del dramaturgo alemán Heiner Muller. Después de haber pasado por el festival Grec de Barcelona viene ahora a Madrid al Teatro Valle Inclán

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